Haciendo promoción a la banda
El pasado sábado 13 de abril, tuve la oportunidad de ir a San Miguel Allende a promocionar a Pieza Imperfecta, la banda en la cual soy guitarrista. Los organizadores del evento no nos dieron ninguna remuneración económica pero nos ofrecieron los viáticos que incluían casetas, hospedaje y alimentos, además de contar con el espacio requerido para nuestra presentación.
Al llegar al foro, éste tenía todo lo que nos habían prometido y mucho más. El lugar estuvo cerca de tener un lleno total, con un 85% de asistencia; esto nos pareció excelente si tomamos en cuenta que somos una banda que está en lucha por sobresalir de entre las otras, además de que la respuesta del público fue increíble.
Como ya mencioné, no nos hicieron ningún pago por presentarnos, sin embargo esto nos ayudó a promocionar el proyecto y nuestras canciones, así como a conseguir contactos, conocer gente nueva y, lo mejor de todo, fans para la banda.
Por todo ello, mi recomendación es: si les ofrecen un foro en dónde promocionar su música, analicen y tomen todas las oportunidades que crean convenientes, ya que nunca se sabe quién podrá estar escuchándolos dentro del público, y con mayor razón si son una banda nueva.
Por: Joel Aguilar (Profesor)
Con la colaboración de Valezka Gallaga (Decano de Estudios Prácticos)
Academia de Música Fermatta Campus D. F. Pedregal
La vida fuera de la música (2/3)
En géneros como el jazz contemporáneo es frecuente hablar de hacer “música para músicos”, como cerrando un ciclo autorreferente de pensar en música para hacer música de modo que los que la hacen la entiendan (y a veces nadie más).
Aún cuando este enfoque tiene validez en ciertas circunstancias, por lo general buscamos hacer música para un público vasto y, en ocasiones, desconocido. No tenemos un destinatario fijo: estamos lanzando una red al mar y no sabemos exactamente qué vendrá con ella de regreso.
Entonces hay que tener presente una estadística obvia: la mayoría de la gente no se dedica a hacer música. Por lo general, no estamos buscando hablar en nuestro dialecto musical, sino de una forma que mueva a mucha gente. Es en estos casos cuando no conviene pensar en música para hacer música.
Sin entrar en el arduo debate del carácter abstracto de la música pura, discutiendo en el plano más común y acaso superficial, la música popular siempre quiere decir algo a alguien. ¿Qué es ese “algo”?
La alta música, música culta o como se le quiera llamar, puede hablar de abstracciones; la música popular, no. Por eso es popular. Así, entonces, esta última no puede hablar (siempre o sobre todo) de música. La música popular habla de la vida.
En la próxima entrada hablaré de algunas ideas para hacer que nuestra música hable más de la vida y menos de sí misma.
Por: Bernardo Aguilar
Decano de Revisión Académica
Academia de Música Fermatta Campus D. F. Pedregal
Steven Wilson en el Metropolitan
¿Cómo comenzar una reseña sobre el show que dió Steven Wilson junto a unos músicos de una calidad sorprendente?
He aquí una breve biografía de este genial compositor y productor:StevenWilson (nacido en Londres el 3 de noviembre de 1967), es un músico británico conocido por ser el fundador, vocalista, guitarrista principal y compositor de la banda de rock progresivo, Porcupine Tree, aunque cabe destacar otros proyectos como Blackfield, No-Man, Bass Communion, Storm Corrosion o I.E.M. que configuran su extensa discografía. Además, ha colaborado con otras bandas como Opeth, Anathema y Orphaned Land, como productor e ingeniero de sonido. Su último proyecto solista se titula “The Raven That Refused To Sing (And Other Stories)”. El resto de la biografía de Steven Wilson es mejor aprenderla directamente a través de su multifacética y muy prolífica carrera musical, especialmente recomiendo el DVD “Insurgentes” (inspirado y producido casi enteramente en el Distrito Federal) donde se puede apreciar el proceso creativo desde su infancia hasta el momento.
Este talentoso músico se presentó el pasado 14 de mayo en el Teatro Metropolitan, ¡un recinto sorprendentemente hermoso! La espera se hizo corta, pues estaban sonando unos acordes que generaban un ambiente que crecía en intensidad. En un momento se escucharon sonidos extraños provenientes de la parte trasera de la sala, donde estaban instaladas unas bocinas que generaban una especie de efecto cuadrafónico y hacían que la ansiedad por el comienzo del show se volviera cada vez mayor.
Por fin las luces de la sala se apagaron y, uno a uno, los músicos comenzaron a subir al escenario. La banda que lo acompañó estuvo compuesta por Guthrie Govan (guitarra), Adam Holzman (teclados), Theo Travis (flauta, saxofón y teclados), Nick Beggs (bajo y stick) y Chad Wackerman (batería). Al final subió Steven Wilson y comenzó el concierto con la canción “Luminol”, de su último disco.
Fue una precisa demostración de todo lo bien que pueden tocar seis músicos profesionales interpretando las grandes piezas de un genio, como lo es el líder de Porcupine Tree. Canción a canción se fueron sucediendo la mayoría de las composiciones del último disco junto con los grandes himnos de cada una de las anteriores producciones. Así, sonaron hermosas piezas ambientales como “Deform To Form A Star” o “Insurgentes”, y otras progresivas como “Harmony Korine” o “No Part Of Me”, hasta llegar a la obra maestra de más de 23 minutos como es “Raider II”, cerrando la presentación con la canción que le da nombre al último disco y tocando de encore una vieja composición de Porcupine Tree: “Radioactive Toy”.
En líneas generales, el espectáculo fue impecable, con decoración muy sobria y una iluminación más que correcta y precisa. El hecho de que antes de “The Watchmaker” se desenrollara una especie de telón de gasa para que se proyectara un corto introductorio mientras sonaba una canción de Bass Communion, fue una agradable sopresa que duró un par de canciones al mismo tiempo que la banda se veia a través de la gasa.
¡Sin duda, un increíble concierto!
Por: Ignacio Andrés Fontan Blanch
Profesor
Academia de Música Fermatta Campus Roma-Condesa
Fuentes:
El contorno melódico
La melodía es la parte de la composición musical que se queda en nuestra memoria. Es la parte “frontal” de la composición, lo que cantamos, lo que recordamos y lo que nos hace reconocer una obra. El contorno melódico es la línea que la melodía genera.
Como la melodía es una sucesión de notas animadas y organizadas por un ritmo (los valores de las notas y sus compases), entonces la melodía genera una línea melódica, que puede tener diferentes contornos, esto es, direcciones de la melodía.
Los contornos melódicos pueden ser: ascendentes, descendentes, en forma de línea plana o combinados.
¿Para qué se utilizan los contornos melódicos? Para generar diferentes efectos emocionales en la melodía y así poder expresar diferentes “energías” en ésta. Nos sirve para acomodar nuestras letras de la composición de acuerdo a su posición y uso en la canción, poner clímax, dar brillantez y energía o disiparla y reducirla.
¿Has notado que muchas canciones, cuando llegan a la parte del coro (que es la parte más fuerte de la canción) utilizan melodías que ascienden o son agudas? Hay una conexión especial entre melodías que ascienden o saltan hacia el registro agudo, con partes fuertes del tema y con partes con mucha energía, y viceversa.
Mira los siguientes ejemplos como muestra. Analiza “cómo se sienten” las melodías. ¿Te das cuenta de lo diferentes que se “sienten” al terminar en la parte aguda o en la parte grave?
Como nota personal: los diferentes contornos melódicos nos dan variaciones y combinaciones que nos permiten disfrutar emocional y sensorialmente la música, proporcionándonos variedad y sorpresa, además de equilibrio de forma y de sentimiento.
¡Adelante! Elabora diferentes melodías con distintos contornos y verás la variedad de resultados que pueden obtenerse utilizando esta técnica. ¡Prueba y experimenta!
Por: Luis Zepeda Anzaldúa
Decano de Revisión Académica
Academia de Música Fermatta Campus Guadalajara - Chapalita - Glorieta “La Estampida”
Bibliografía:
Armonía
Autor: Walter Piston, 1987.
Título original: “Harmony”.
Copyright 1987, 1978, 1962, 1948,1941 W. W. Norton & Company, Inc. New York and London.
Copyright de la edición en lengua castellana y de la traducción.
SpanPress Universitaria (Marca Registrada)
1998, SpanPress, Inc.
ISBN: 1-58045-935-8
Printed in Spain.
Libro Estudios Teóricos
TM506 Composición Popular I
Academia de Música Fermatta
Ejemplos originales realizados en Finale 2010.
Imagen tomada de:
http://www.formulabelleza.com/wp-content/uploads/2011/07/melodia.jpg
La vida fuera de la música (1/3)
La clasificación de la música como un lenguaje (y a veces como “el lenguaje universal”) es ampliamente discutida y no hay opinión unánime. Pero algo en lo que todos podemos estar de acuerdo es en el hecho de que, al escuchar música (y especialmente al hacerla), siempre nos pasa algo. No somos los mismos antes de ella que después.
Me estoy refiriendo a lo estrictamente humano, no al pensamiento abstracto (matemático, cinético, espacial) relativo a la técnica de ejecución o a la lógica de composición: el aspecto humano extra musical.
Es muy arriesgado decir que la música comunica sentimientos, pero es claro que los provoca (y que el quehacer musical es causado, de alguna manera, por ellos). Pero no podemos afirmar a ciencia cierta que la música es sentimiento. Muy probablemente no sea (o no signifique) nada, pero eso es material para otra ocasión.
El asunto que propongo ahora es que no es válido hacer música pensando en música. El arte por el arte es una teoría que escapa a la tradición popular comercial contemporánea a la que trato de referirme en esta ocasión (no intento hablar ahora de arte, sino de canción popular).
Cuando se hace canción popular siempre hay un significado extra musical, una idea que da origen a la obra, y en la que el creador y ejecutante debe enfocarse si quiere tener éxito comunicándola, en vez de hacerlo sobre la técnica particular de su ejecución.
¿Qué son esas ideas? ¿Qué da origen a una canción? Casi nunca es la música, sino la vida. Si no hay una experiencia vital de por medio, no puede haber canción. De eso hablaré en las siguientes ocasiones.
Por: Bernardo Aguilar
Decano de Revisión Académica
Academia de Música Fermatta Campus D. F. Pedregal
Riverside en José Cuervo Salón
Riverside es una banda de rock progresivo originaria de Varsovia, fundada en 2001 por Piotr Grudziński (guitarra), Piotr Kozieradzki (batería) y el tecladista Jacek Melnicki (quien luego fue reemplazado por Michał Łapaj). Posteriormente se suma el multiinstrumentista Mariusz Duda, haciéndose cargo de las líneas de bajo y voz.
Su discografía está compuesta por cinco álbumes de estudio:
Out Of Myself (2004)
Second Life Syndrome (2005)
Rapid Eye Movement (2007)
Anno Domini High Definition (2009)
Shrine Of New Generation Slaves (2013)
La calidad musical de estos álbumes, junto con el excelente desempeño en sus conciertos, le han valido a Riverside el respeto y la consideración de la escena progresiva de Europa y Estados Unidos, tanto así que el disco Rapid Eye Movement fue catalogado como uno de los 10 mejores discos progresivos de la década por la revista Classic Rock, sirviéndole para abrir las presentaciones de Dream Theater en su gira europea de 2007.
Fue el pasado 12 de mayo que esta banda se presentó en el José Cuervo Salón de la Ciudad de México, teniendo una presencia escénica imponente (desde la altura del bajista y el tecladista, hasta las cabezas rapadas del baterista y el guitarrista). Riverside es una banda que deja plasmado en disco lo que puede reproducir eficientemente en vivo.
El setlist fue más de lo esperado, abriendo con el tema “New Generation Slave” que, a su vez, es la primera canción de su último disco. La reacción del público fue sorprendente; muchos que se han convertido en verdaderos fans de la banda, coreaban cada parte de las canciones que fueron sonando.
Cabe destacar la calidad y fidelidad del sonido en el recinto. Un gran aplauso para la producción de Mexprog por organizar el espectáculo de una excelente banda con una calidad de sonido impresionante.
Por: Ignacio Andrés Fontan Blanch
Profesor
Academia de Música Fermatta Campus Roma-Condesa
El Día Internacional del Jazz
“El jazz, que fue una de las mayores expresiones culturales del siglo XX, está cautivando ya el espíritu del siglo XXI. En tiempos de cambio e incertidumbre, necesitamos más que nunca el poder del jazz para reunir a las personas y reforzar el respeto por los valores comunes”, afirmó Irina Bokova, Directora General de la UNESCO, con motivo del Día Internacional del Jazz, el pasado 30 de abril de 2013.
Definitivamente, aquel sonido proveniente del sur de los Estados Unidos, de la espontaneidad musical africana y de las condiciones armónicas europeas, ha influido globalmente en la música por casi un siglo. Aceptado y rechazado, el jazz ha conseguido espacio en culturas y lugares nunca antes imaginados. ¿Es parte de la globalización? ¿Es una estrategia estadounidense para influir en otras culturas? ¿Es la punta de lanza de la improvisación? ¿Dejó de existir? ¿Evoluciona?
Todos los planteamientos anteriores son ampliamente cuestionables. Lo que sí podemos apreciar del jazz a través de su historia es el resultado de migraciones, esclavitud, progreso, racismo, sofisticación y también marginalidad, baile y análisis, irreverencia y amor, protesta, autodestrucción, rigidez e improvisación.
El jazz puede ser miles de cosas, puede ser mucho o nada para algunos; lo inminente es su existir en nuestra historia, porque dejó de tener bandera, se adoptó, manipuló y amó sin condiciones como una música humana.
Por: José Chacón Belandria
Decano de Estudios Teóricos
Academia de Música Fermatta Campus D. F. Pedregal
Natalia Lafourcade tiene nueva producción discográfica
El pasado 22 de abril en Madrid, España, fue presentado el quinto disco de la cantante, productora y actriz mexicana, Natalia Lafourcade, titulado “Mujer Divina. Homenaje a Agustín Lara”. Esta nueva producción cuenta con la colaboración de Gilberto Gil, Miguel Bosé y Jorge Drexler.
El título del disco se desprende de una canción escrita por el compositor Agustín Lara en el año de 1929, y Natalia le ha dado una nueva textura vocal, además de hacer dueto con el cantautor argentino de Los Babasónicos, Adrián Dárgelos. Este no es el único dueto que Natalia presenta en su disco, pues también destacan “Imposible” con León Larregui (Zoé), “La Fugitiva” con Kevin Johansen (cantautor argentino) y “Azul Como El Cielo” con Rodrigo Amarante (de la agrupación brasileña Little Joy). De igual manera, no podemos dejar de mencionar la colaboración de Alex Ferreira (cantautor dominicano) y Devendra Banhart (músico venezolano).
Fuente: Nosotros Así Nos Movemos
Fotografía: www.cityloversmag.com
Por: Valezka Gallaga
Decano de Estudios Prácticos
Academia de Música Fermatta Campus D. F. Pedregal
Ritmo natural
“El enfoque para tocar con ritmo natural es ‘el groove’*, y cada vez que encuentro un nuevo ritmo, descubro que puedo escribir muchas canciones. Aprender a bailar, tocar batería o mover mi cuerpo de una manera nueva, es lo fundamental para encontrar un nuevo riff**. Porque cuando aprendes a mover tu cuerpo de una manera nueva, empiezas a trasmitirlo en tu instrumento diferentemente”. [Stone Gossard, Pearl Jam].
- Groove es el movimiento natural del ritmo.
** Riff es una frase melódico-rítmica.
Cualquier persona que tiene pulso, tiene ritmo; cualquiera que respira o que camina, tiene ritmo. Lo importante es sentirlo y plasmarlo en la música. Los japoneses tienen una palabra para ritmo: “hyoshi”, que se traduce literalmente como “aplauso de un niño”, pues la sensación de ritmo que uno tiene es tan simple como ese gesto.
Esta forma natural del ritmo se encuentra en todo lo que nos rodea: el cambio de primavera a verano, el ciclo de la luna, el cómo se miden el día y la noche, y cómo despertamos cada día a la misma hora. Por ello, debes aprender a sentir el ritmo natural en cada faceta de tu vida y proyectarlo en tu instrumento.
Recuerda, no puedes sentir el ritmo en tu mente porque éste se siente con todo el cuerpo; es por eso que la mayoría de los músicos tienen una forma de moverse en el escenario. ¡El ritmo esta ahí, ya sea en la cabeza, en el pie o en el mismo baile de un vocalista!
Referencias:
Sudo, Philip Toshio. Zen Guitar. New York. Simon & Schuster, 1997.
Por: Óscar Molina
Profesor
Fermatta Campus Guadalajara - Chapalita - Glorieta “La Estampida”
Entrenando a nuestro oído
Como músico, el entrenamiento auditivo ha sido una llave que me ha abierto muchas de las puertas para resolver las dificultades o retos en mi trabajo profesional. Una de las técnicas que aprendí desde muy pequeño fue el asociar el solfeo tipo scat (cantado con sonidos inventados) o el nombre de las notas, con todo ejercicio o pieza que tocaba en mi instrumento, el piano.
Mis maestros me han indicado que si estudio las escalas, arpegios o los ejercicios de cinco dedos (como en el método Hanon, de piano), debo cantar todas las notas junto con el ejercicio tocado.
Al principio es difícil llevar la afinación y el “trabalenguas” de pronunciar los nombres de las notas junto con el ejercicio, pero poco a poco se va convirtiendo en un hábito con cierta comodidad y fluidez, hasta que los meses de trabajo lo hacen una actividad totalmente integrada y divertida.
El fruto de este trabajo es una asociación directa del teclado y del piano con las notas afinadas en la mente y la voz. La labor de tener que cantar todas las partes de una pieza de piano que en ese momento se estudia, por cuestiones de conocerla a fondo, sirve también para el propósito de entrenarse sólidamente en el conocimiento de las notas.
Otro punto importante y básico es desarrollar la capacidad de estar bien afinado a la hora de reproducir las notas que se están cantando y tocando, un punto que es difícil de obtener. Esta habilidad se adquiere tocando las notas muy lentamente y, después, aumentar la velocidad poco a poco.
La música como lenguaje tiene esta parte de reconocer frecuencias sonoras, y una vez que vamos avanzando en este punto, la música se vuelve un lenguaje natural en el cual las notas son visualizadas de inmediato en nuestra mente. Las aplicaciones son múltiples, por ejemplo:
Cuando toco con mis compañeros una pieza que no conozco, basta oírla desde el principio hasta un punto donde comienza a repetirse, y con el uso del oído bien entrenado mientras la escucho, al mismo tiempo la voy traduciendo y memorizando, así que al repetirse ya sé la mayor parte de la pieza y la toco como si la supiera con anterioridad. En el argot de los músicos, esto se llama “sacar las antenas”.
Continuaremos tratando más sobre el arte del entrenamiento auditivo. Mientras tanto, diviértanse experimentando con esta técnica, verán que en poco tiempo percibirán con mucho más claridad el lenguaje musical.
Por: Luis Zepeda Anzaldúa
Decano de Revisión Académica y Profesor de Entrenamiento Auditivo
Fermatta Campus Guadalajara - Chapalita - Glorieta “La Estampida”
